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No están exhibidas en el Museo del Prado, quizás tampoco las encuentres en el Louvre de París, o en el Museo Metropolitano de Nueva York, pero seguramente si has visto estas 30 joyas del celuloide algunas de sus escenas si que irán derechas a las galerías de tu memoria. Precisamente eso es lo que hace un director de fotografía. Ahora bien, para conocer con detalle qué es la fotografía en el cine, es necesario que abras el tarro de la inspiración y te empapes de algunas películas que marcaron un antes y un después en la fotografía cinematográfica por su impacto visual.
¿Preparado para convertirte en el Martin Scorsese de la fotografía en el cine? En Euroinnova estamos más que Infiltrados en este sector y queremos que seas Uno de los nuestros por eso, para que puedas comenzar tu andadura en el mundo de la fotografía deberás aprender todo sobre edición fotográfica. Así que, al igual que el "prota" de Taxi Driver conduce tu trayectoria en dirección a la fotografía profesional formándote con el curso de edición fotográfica de nuestro catálogo.
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Desde una perspectiva inexperta del mundo de la fotografía, estamos acostumbrados a reducirla al simple hecho de captar un momento con una cámara o incluso con el móvil donde se tenga en cuenta aspectos como el encuadre o la luz simplemente. La realidad es que detrás de la gran pantalla, la fotografía en el cine es algo más complejo.
Durante la grabación de una obra audiovisual en la que se filman imágenes en movimiento es necesario acordar como y qué se va a grabar de forma previa. Esta decisión corresponde al director de fotografía que se encarga de seleccionar la parte del escenario donde se va a rodar, la distancia donde se sitúe la cámara, el encuadre de la imagen, a qué altura se colocan los protagonistas y el sentido hacia el que se debe de mover la cámara.
No obstante, la fotografía en el cine tiene en cuenta aspectos más técnicos como puede ser la iluminación, el tratamiento del color, o las sensaciones que se desea transmitir en cada plano a los espectadores. Además se requiere de una coordinación con otras áreas como son los equipos de maquillaje, vestuario o encargados del atrezzo del escenario.
La industria del cine ha ido evolucionando a lo largo de los años, y la respuesta a qué es la fotografía en el cine no tiene una misma respuesta antes que ahora. No obstante, para conocer de una forma más visual y práctica en qué consiste, hemos preparado un Top 10 de películas en orden cronológico que harán que vayas corriendo a matricularte en alguno de nuestros cursos de fotografía digital online.
¡Comenzamos!
Sólo hay una persona que puede decidir lo que voy a hacer, y soy yo mismo.
Esta frase debió de servir de inspiración al gran Orson Welles que logró con esta película algunas de las imágenes más icónicas de la historia del cine en cuanto a la construcción de planos. En esta película a los claroscuros se le cede el protagonismo a las sombras, dotándola así a la obra de una fuerza expresiva. Con Ciudadano Kane, la iluminación se centro en sacar el detalle en las sombras y luces, una imagen plana, y una luz con contrastes extremos, volúmenes no vistos hasta la época y una profundidad que aún no ha sido superada.
Cualquier pensamiento de peligro parecía infinitamente remoto.
No, Stanley Kubric no tenía miedo de crear una atmósfera helada con su película. Y es que, 2001: Una odisea en el espacio, es una de las obras cumbre de este cineasta y que es un ejemplo de limpieza en lo que es la fotografía en el cine. Con la máxima apertura del diafragma, objetivos en gran angular mayoritariamente se logró una neutralidad sofocante. Destaca en esta película el color blanco y la luz suave, para conseguir un efecto de frialdad, lejanía o racionalidad que el exitoso cineasta buscaba con la historia.
A un hombre que tiene el valor de luchar con las tripas fuera no puedo negarle un poco de agua.
Ni agua ni nada se le puede negar al director Francis Ford Coppola en una de sus obras maestras. A través de la dirección fotográfica de esta joya del cine bélico, se logró imágenes impactantes que perdurarán en la memoria de quienes han tenido el placer de disfrutarla. Para ello, se logró conseguir trasladar el ambiente de un Vietnam hostil con teleobjetivos largos que reflejasen el paisaje asiático, el contraste de la luz con grandes zonas de oscuridad o en algunas escenas introduciendo un color rojo con diferentes colores y texturas que reflejan el amanecer o el atardecer en Vietnam.
He visto cosas que vosotros nunca creeríais.
Esto debió pensar el director de fotografía de la película del gran Ridley Scott. El contraste que se logró con esta película entre luces duras y sombras misteriosas refleja a la perfección los sentimientos de cada uno de los personajes. Se puede apreciar como cuando uno de ellos se enamora, las luces que aparecen en su interior son más abundantes. Del mismo modo, los rostros de los personajes están en la sombra, solamente destacados en algunas ocasiones con una luz que destaca sobre un fondo negro.
Son tiempos difíciles para los soñadores.
Aunque pueda llevar razón, el director Jean-Pierre Jeunet, el creador de esta obra de arte del cine que te mostrará qué es la fotografía en el cine de verdad, logró que su director de fotografía consiguiera transmitir los sentimientos de Amelie a través del color que sirve así también como un elemento de orientación al espectador. Así, la esperanza, la alegría y la pasión se destacan por las tonalidades del color seleccionados para cada secuencia. La protagonista además logra ser el foco de atención de la historia a través de un contraste suave, donde se provoca la luminosidad de este personaje.
Apunta bien y mira al diablo a los ojos.
En la Ciudad del Pecado, sus directores Frank Miller y Robert Rodríguez, logra que su director de fotografía te muestro qué es la fotografía en el cine con una excepción tan simple como el uso del color blanco y negro. Este contraste cautiva al espectador que rodó los planos a color y en postproducción se pasó a blanco y negro manteniendo algunos como el rojo de la sangre. A través de primeros planos en las escenas más tensas se consigue trasladar al espectador la cruda violencia cuando las luces resaltan elementos o facciones específicas.
Espartanos, preparad el desayuno, y alimentaos bien, ¡porque esta noche cenaremos en el infierno!
No, no sabemos si Larry Fong cenó la noche anterior al rodaje en el infierno, lo que si sabemos es que consiguió una fotografía para su película que forma parte de una de las grandes obras del cine. La mezcla entre imagen real y animación, las figuras de cera en movimiento que expulsan sangre o el vacío que se crea en las secuencias fotográficas son un gran hallazgo para aquellas personas interesadas en conocer qué es la fotografía en el cine.
La riqueza de este mundo no está en el suelo, está a nuestro alrededor.
Lleva razón, la riqueza de este mundo no está en el suelo, está en nuestro alrededor, en la fotografía de Avatar, por ejemplo. La película de James Cameron refleja de forma digitalizada como nos podemos rendir ante la fuerza de sus humanoides o la naturaleza a la que parecen estar conectados. A través de los primeros planos se capta la mirada de algunos de los personajes, para así buscar su arrastre emocional, es decir, se centra en lo sensorial de la imagen para así lograr la emoción en el espectador.
La melancolía no es más que la sombra de una nube pasajera.
Y es melancolía lo que sufre el espectador cuando acaba la travesía de este niño y un tigre (no haremos spoiler) Los planos generales que reflejan donde se encuentran los protagonistas o la iluminación son un reflejo del trabajo en la composición y la descripción que se pretende narrar a lo largo de la película. También los planos cenitales al mostrar el agua o los planos medios y primeros planos tratan de dotar de un especial énfasis emocional y aderezarlo con un toque de espiritualidad y de fe con lo que sucede alrededor.
Tienes que admitir una cosa. No se puede superar la vista.
Si ves esta película de Alfonso Cuarón, podrás afirmar que sí, no verás algo que supere la fotografía de Gravity. Y es que el director de fotografía supo captar la luz del sol tal y como es, alternando sombras profundas y un contraste alto, donde incluso pueden encontrarse luces quemadas, consiguiendo así una atmósfera natural. El uso de objetivos angulares exclusivamente logra conseguir que nos sintamos en el espacio, lo que se amplía con los planos subjetivos de los personajes que se reflejan en sus cascos.
Ya sabes...¡Haz palomitas y disfruta de estos peliculones!
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